Cara melukis seperti Rembrandt, menurut seorang seniman potret profesional
JAKARTA, GESAHKITA COM—-Buku Frank Slater “Practical Portrait Painting” mengungkap rahasia para maestro lama dan baru, dari Leonardo da Vinci hingga Augustus John.
Dari Renaisans hingga penemuan kamera, lukisan potret merupakan bentuk seni utama Eropa Barat. Dalam bukunya, Practical Portrait Painting , seniman profesional Frank Slater mencoba membuat kerajinannya yang menakutkan lebih mudah diakses oleh generasi pelukis masa depan.
Slater mengajak pembacanya pada kursus kilat sejarah seni, menjelaskan apa yang membuat pelukis setiap abad unik.
Tim Brinkhof kembali menguraikan halaman kolum nya di laman bigthink pekan ini yang menarik kita simak juga kali ini dibawah ini selengkapnya.
Setelah Renaisans, seni lukis potret mengukuhkan dirinya sebagai salah satu bentuk seni terkaya dan paling bergengsi di dunia Barat. Seni lukis ini mempertahankan status ini selama berabad-abad hingga ditemukannya kamera, yang dapat menciptakan kembali kemiripan seseorang dengan lebih cepat dan dengan akurasi yang lebih tinggi bahkan daripada tangan manusia yang paling terampil sekalipun.
Sungguh disayangkan karena, pada intinya, potret tidak benar-benar tentang meniru penampilan luar seseorang. Seperti yang dijelaskan oleh seniman Frank Slater dalam buku Practical Portrait Painting yang terbit pada tahun 1989 , seorang pelukis potret berbakat mampu menggunakan kebebasan artistiknya untuk mengungkap penampilan dalam subjek atau orang yang difoto: psikologi, karakter, dan karena tidak ada kata yang lebih baik esensinya.
“Itulah,” tulis Slater, “bagian yang menarik dari pekerjaan ini setiap orang benar-benar berbeda. Mungkin ada kesamaan sesekali dalam struktur jenis huruf, tetapi esensi, kepribadian khusus setiap manusia, adalah unik dan [potret] yang bagus menangkap kualitas itu.”
Bukunya tidak hanya menunjukkan kepada Anda cara menjadi pelukis sendiri tetapi juga cara memahami dan mengevaluasi karya seniman lain.
Slater menghadiri Royal Academy di London, tempat ia belajar dari para perajin yang luar biasa tetapi kurang dikenal seperti Ernest Jackson dan Walter Sickert , yang terakhir bekerja di bawah bimbingan Edgar Degas (dan pernah dicurigai sebagai Jack the Ripper ). Slater adalah orang terakhir dari generasi yang sekarat dan mengetahuinya. Ia menulis Practical Portrait Painting dengan harapan agar pekerjaannya lebih mudah diakses dan menarik bagi generasi mendatang.
Potret langsung vs. potret tidak langsung
Menurut Slater, ada dua cara melukis potret: secara langsung dan tidak langsung. Mereka yang melukis secara tidak langsung membagi proses menjadi beberapa langkah berurutan. Mereka mulai dengan membuat garis besar, membuat bentuk kepala, dan dengan cermat memetakan hubungan antara berbagai fitur wajah. Ini memastikan potret akan mencerminkan penampilan luar orang yang melukis.
Mereka yang melukis secara langsung mendekati lukisan potret sebagai proses tunggal yang tidak terputus. Sementara pelukis tidak langsung menempatkan warna di atas konstruksi yang sudah ada, pelukis langsung membangun melalui warna, membangun wajah sambil terus melukis. Pelukis langsung bekerja dengan cepat dan berani, mengandalkan naluri dan perasaan daripada akal dan penilaian.
Kedua metode ini memiliki kelebihan dan kekurangan. Pelukis langsung mengorbankan keamanan demi kebebasan. Sapuan berani dan spontan membuat potret mereka tampak lebih segar dan lebih hidup daripada yang direncanakan dengan cermat. Namun, spontanitas juga dapat menyebabkan kecerobohan, yang menyebabkan masalah yang tak terhindarkan di kemudian hari.
“Selama sesi pertama,” tulis Slater tentang metode melukis langsung, “Anda merasa seperti dewa. Kanvas Anda kosong dan Anda dapat melukis sesuka hati, tanpa ada yang mengganggu kebebasan penuh Anda.
Namun, saat Anda datang ke sesi kedua dan ketiga, Anda tidak akan begitu bebas. Pekerjaan Anda sebelumnya akan memengaruhi setiap sentuhan yang Anda tambahkan.”
Sebaliknya, pelukis tidak langsung mengorbankan kebebasan demi keamanan. Hal ini tidak seburuk kedengarannya jauh dari itu sebenarnya, karena teknik dan pemahaman menyeluruh tentang cahaya, anatomi, dan otot adalah dasar dari setiap potret hebat, apa pun gayanya.
Sebelum Picasso dapat menguasai kubisme, ia harus terlebih dahulu belajar cara melukis seperti para maestro lama.
Hingga saat ini, melukis secara tidak langsung merupakan norma. Seniman modern, dari Cézanne hingga Matisse , telah menunjukkan nilai dari melukis secara langsung. “Sebuah lukisan,” kata Slater, “bukanlah sebuah gambar yang kemudian diisi dengan warna.
Melukis adalah menghubungkan satu nilai warna dengan nilai warna lainnya; melukis dilakukan dengan kuas; melukis tidak melibatkan garis-garis yang kaku.”
Lukisan langsung juga memungkinkan fleksibilitas tertentu yang tidak dapat diakomodasi oleh lukisan tidak langsung. Practical Portrait Painting mengingatkan para pembacanya bahwa orang yang duduk adalah manusia hidup yang dapat sangat bervariasi dari satu sesi ke sesi berikutnya, dan bahwa “Anda tidak ingin terikat terlalu cepat pada garis-garis tegas yang ditetapkan dengan hati-hati di awal gambar.”
Tindakan melukis potret
Proses melukis potret yang sebenarnya sama pentingnya dengan pengetahuan dan teknik yang mendasari proses ini untuk mencapai hasil yang memuaskan.
Slater menyarankan para pelukis untuk mengerjakan lukisan mereka di tempat yang memiliki pencahayaan yang baik dan konsisten, sehingga mereka dapat melihat wajah orang yang melukis dan konstruksi potret mereka sendiri dengan jelas.
Pertimbangkan juga media yang akan Anda gunakan. Jika tujuan utamanya hanya untuk berlatih, pensil adalah pilihan yang tepat. Garis-garisnya yang tipis mendorong seniman untuk hanya memilih aspek-aspek yang paling penting bagi penampilan luar dan dalam dari subjek. Arang juga bagus untuk studi, tetapi sebagai media, arang jauh lebih sulit ditangani daripada pensil.
Seniman yang bekerja dengan arang harus berhati-hati agar gambar mereka tidak terlalu “fotografis” dengan berfokus pada nada. Slater menunjuk seniman Amerika John Singer Sargent, yang gambar-gambar awalnya pada dasarnya adalah lukisan yang dibuat dengan arang , sebagai contoh yang harus dihindari.
Namun, arang memiliki kualitas yang kaya dan dalam yang juga menghasilkan efek halus, yang memungkinkan seniman untuk merekam detail yang tidak dapat direkam oleh pensil.
Lukisan potret tidak hanya membutuhkan pemahaman tentang wajah, tetapi juga seluruh tubuh manusia, khususnya leher dan bahu.
Da Vinci membuat potret di mana mata, kepala, dan leher semuanya menghadap ke arah yang berbeda. Kesan anggun yang ditimbulkannya cocok untuk wanita cantik seperti Mona Lisa, tetapi tidak untuk, misalnya, petani yang kasar dengan sikap yang sangat sopan.
Untuk itu, Slater menulis bahwa seorang pelukis potret bukan hanya seorang seniman, tetapi juga seorang psikolog. Sama seperti mereka perlu memahami bentuk tengkorak untuk melukis kepala dengan meyakinkan, mereka juga perlu memahami makna kesan tertentu sebelum dapat direproduksi di atas kanvas. Pelukis potret, seperti penulis fiksi, harus mampu berempati dengan orang-orang dari semua lapisan masyarakat.
Bahkan pakaian pun memerlukan studi yang cermat. Terlalu sering pelukis membuat gambar kepala yang mendetail hanya untuk menggambarkan pakaian orang yang duduk dengan guratan-guratan lebar dan garis-garis besar.
Slater mengatakan pendekatan ini menghasilkan lukisan yang setengah jadi. Seniman harus memahami bagaimana pakaian terlipat, berkerut, dan membentuk kembali tubuh di baliknya. Misalnya, sebagian besar jas dirancang khusus untuk menutupi bentuk tubuh pemakainya.
Filsafat potret
Kecuali Anda mempelajari sejarah seni di perguruan tinggi, mungkin sulit untuk mengartikulasikan bagaimana satu gaya melukis berbeda dari yang lain.
Dalam Practical Portrait Painting , Slater mengajak pembacanya mengikuti kursus kilat melalui ratusan tahun sejarah seni, berbagi tentang apa yang, menurut pendapatnya sendiri, membuat para seniman hebat di setiap periode begitu unik.
Slater mengagumi Hans Holbein, pelukis The Ambassadors , karena kesederhanaannya. Banyak potret karya Holbein yang menampilkan sedikit informasi visual, tetapi tidak sederhana. Sebaliknya, pelukis Jerman itu menunjukkan dirinya sebagai ahli dalam pemilihan, hanya memasukkan detail yang benar-benar penting untuk gambar tersebut. Apa yang dilakukan kebanyakan seniman dengan seratus sapuan, Holbein dapat melakukannya hanya dengan satu sapuan.
Pelukis favorit Slater sepanjang masa adalah pelukis yang mungkin belum pernah didengar kebanyakan orang: Augustus John. John condong ke sisi yang lebih eksperimental, menggunakan warna yang terputus-putus, sapuan kuas yang ekspresif, dan bentuk yang berlebihan.
Meskipun potretnya tidak sesempurna potret Sargent, potretnya secara konsisten lebih baik dalam menggambarkan kepribadian orang yang dilukisnya.
Seperti yang mungkin Anda lihat, Slater punya masalah dengan Sargent. Sargent adalah seorang seniman yang luar biasa. Ia juga merupakan seniman yang paling sukses secara komersial pada masanya, terutama karena gayanya yang halus dan bermartabat mampu menarik perhatian para taipan, politisi, dan sosialita yang dilukisnya.
Akibatnya, orang mungkin berpendapat bahwa karyanya lebih dekat dengan iklan daripada Seni dengan huruf kapital A.
Hal ini terlihat dari cara Sargent melukis tangan para wanita yang duduk di sampingnya, yang ia perpanjang agar tangan mereka tampak lebih anggun. Namun, Slater membantah, “ada keindahan yang lebih nyata dalam pengamatan karakter.”
Seniman Belanda dikenal karena ketertarikan mereka pada orang biasa. Sementara Michelangelo melukis dewa dan jutawan Sargent, Rembrandt, Vermeer, dan Hals juga melukis petani, pekerja, dan gelandangan.
Yang lebih buruk dari sanjungan adalah sentimentalitas, yang terwujud dalam karya seniman seperti Jean-Baptiste Greuze . “Sentimentalitas,” kata Slater, “adalah penolakan untuk mengakui kebenaran, ketidakmampuan untuk menghadapi fakta, dan upaya untuk menutupi kenyataan dalam kabut emas nilai-nilai palsu.
Pada masa Greuze apa pun yang tidak menyenangkan atau tidak mengenakkan tidak boleh disebutkan… dan ini berdampak pada Seni.”
Pada akhirnya, ini adalah masalah selera pribadi. Namun, Practical Portrait Painting memberikan argumen yang kuat tentang mengapa penggambaran yang jujur tentang penampilan batin seseorang harus menjadi tujuan utama pelukis potret. Bagian di bawah ini, yang diambil langsung dari buku Slater, menegaskan kembali kesimpulan ini dengan sangat efektif:
“Saya ingat membaca biografi Marie Antoinette, yang diilustrasikan dengan potret dirinya oleh Nyonya Le Brun dan pelukis istana lainnya. Mereka menunjukkan gambaran tentang sosok yang hambar dan tidak memiliki ciri khas, dan mustahil untuk menilai seperti apa penampilannya. Ilustrasi terakhir adalah gambar cepat yang dibuat oleh Jacques-Louis – David. Gambar itu menunjukkan dengan garis yang sangat ekonomis, tetapi dengan kejujuran yang mutlak, sosok seorang wanita yang duduk di belakang tumbril dalam perjalanan menuju guillotine. Tanpa hiasan apa pun, tanpa tatanan rambut yang rumit, dengan gaun yang kasar dan rambut yang disisir di bawah topi mafia, dia memiliki lebih banyak martabat dan kecantikan yang lebih nyata daripada di semua potret istana. David melihatnya, dan tidak punya alasan untuk menyembunyikannya. Akhirnya saya bisa melihat seperti apa sebenarnya penampilan Marie Antoinette.”
alih bahasa gesahkita
